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Luc Besson nos trae en Anna su blockbuster anual, una reformulación perfeccionada de la somnífera Gorrión Rojo, en casi dos horas de acción vertiginosa por parte de una preciosa muchacha rusa dando mamporros a cuantos varones se le cruzan por delante.

El director, productor y guionista francés, autor de obras geniales como Leon: el profesional, Nikita y El quinto elemento, mantiene en esta nueva película el listón alto dentro de un género en el que se mueve como pez en el agua, y del que ha sido un gran innovador. 

En esta ocasión no se ha complicado demasiado, pues echa mano de la receta que le situó en el Olimpo de los directores en el año 1990: chica joven caída en desgracia es redimida, enderezada y convertida en súper-asesina por un Pigmalión que, aparte de ser su viejo mentor, se convierte en un amante dispuesto a utilizar cuantas armas de extorsión le hagan falta para mantener controlada a su presa. 

Desde los primeros minutos, en los que suena la música de Éric Serra, el compositor de cabecera de Besson, se tiene la certeza de que éste ha cogido su viejo guión de hace ya casi treinta años y se ha limitado a cambiar los nombres, los topónimos y algún que otro detallito: donde ponía Nikita ahora debemos leer Anna, y donde ponía Bob ahora pone Alex; ha sustituido Francia por Rusia; donde veíamos un robo en una farmacia, ahora asistimos a un robo en un cajero… Empeñado, como evidentemente estaba el director, en contar con la top model Sasha Luss para el papel protagonista, sabiamente supo compensar su inexpresividad y manifiesta inexperiencia con actores de la talla de Luke Evans, Cillian Murphy y Hellen Mirren.

Y sin embargo, por muy evidente que sean sus trucos, nada entorpece el disfrute del film. Con un ritmo endiablado y una estructura perfeccionada en cuanto a tiempos por secciones narrativas se refiere, Anna es una lección de cine de entretenimiento, ese que tanto se agradece cuando se quiere pasar un rato divertido devorando un (carísimo) cubo de palomitas.

Por fin llega a nuestras carteleras la segunda parte de Creed, la nueva saga sobre el mundo del boxeo destinada a formar parte de la filmoteca de los nacidos en los años noventa del pasado siglo. Creed 2 recoge la tradición iniciada hace 42 años por Rocky, al tiempo que se convierte en algo nuevo y atractivo. El secreto de la longevidad de la serie de Rocky Balboa, ahora continuada por Adonis Creed, reside en unos guiones capaces de incorporar capas de dramatismo a una historia aparentemente simple en su diseño.

La primera entrega, firmada por Ryan Coogley, logró reformular el mito de Rocky actualizando sus principales elementos: el aspirante italoamericano, pobre y sin ninguna posibilidad, se convierte ahora en un muchacho afroamericano acomodado y heredero natural al trono del boxeo, pero aplastado por la responsabilidad y el deber hacia la
memoria de su padre; la novia del héroe ya no es una dulce joven dócil y abnegada, sino una artista fuerte que se relaciona en términos de igualdad con su pareja; la geo-política de la guerra fría que impregna todas las películas de Rocky, en especial Rocky IV, ha permutado en sus devastadoras consecuencias a nivel individual y familiar, y a través del personaje de Ivan Drago y de su hijo Viktor funciona como catalizador para la peripecia de Creed 2.

Es probable que parte del éxito de esta cinta resida en el guion, como si todo un curso de estructuras narrativas hubiera sido compactado de forma brillante por los guionistas Juel Taylor y Sylvester Stallone. Así, Adonis Creed se enfrentará a un adversario imponente, el hijo del hombre que mató a su padre en el ring, y para hacerlo tendrá que emprender un viaje y renacer física y espiritualmente; y precisamente haciéndolo optará a conquistar la gloria, pero en sus propios términos. Para Creed 2 Coogley, ahora productor ejecutivo, ha dado paso a su compañero de promoción en la Universidad de South Carolina, Steven Caple Jr, quien con una dirección detallista, exuberante en planos y de montaje ágil refresca elementos clásicos del género, dotando de emoción y veracidad un material que, de entrada, no tenía garantizado convertirse en una gran película.

En esta producción exquisita, volcada en complacer al público mayoritario sin caer en lo simple, destaca el equilibrio logrado en el reparto: los veteranos nostálgicos volverán a encontrarse con Sylvester Stallone como el viejo Rocky, a Dolph Lundgren como el hermético Ivan Drago e incluso con Brigitte Nielsen en su papel de femme fatal del cruel orden exsoviético. Pero para asegurar la vitalidad del mito, las extraordinarias actuaciones de los protagonistas, Michael B. Jordan y Tessa Thompson (estos sí son grandes actores con mayúsculas) facilitan el camino a posibles nuevas entregas.

Creed 2 no solo no decepciona, sino que es una grata sorpresa para los amantes de la saga y para quienes disfrutan del cine predecible y de corte clásico.

El próximo viernes día 2 de junio se estrena Norman, subtitulada en español como  “El hombre que lo conseguía todo”, en su versión original “Moderado auge y trágica caída de un conseguidor neoyorquino”.

La cinta narra las humillantes y paradójicas peripecias de Norman Oppenheimer, un pretendido hombre de negocios que logra entablar una relación de amistad con Micha Eshel, un prometedor político que, tres años más tarde, se convierte en el primer ministro de Israel. Con el advenimiento de Eshel al poder, Norman pasa a ser, sin pretenderlo, una figura influyente de la esfera política internacional.

Dejando de lado su reparto de ensueño, tan del gusto del cine underground de la costa Este –Michael Sheen, Lior Ashkenazi, Steve Buscemi, Charlotte Gainsbourg, Dan Stevens, Hank Azaria, Scott Shepherd, Isaach De Bankolé-, el interés de la cinta reside en la filiación artística del enigmático protagonista, pariente cercano del mítico escribiente Bartleby de Melville, o de los personajes de las historias de Franz Kafka, de Saul Bellow y de Isaac Bashevis Singer en el terreno literario; descendiente claro en el celuloide del hilarante e impávido jardinero Mr. Chance de Being There, del simplón y adorable Forrest Gump, o de algunos sujetos de las comedias de Mel Brooks y los hermanos Cohen. No obstante, la incapacidad del personaje interpretado por Richard Gere para invocar simpatía o ternura en el espectador sitúa esta obra en las antípodas de sus referentes.

En efecto, a diferencia de sus predecesoras, esta película fracasa a la hora de despertar interés por los avatares que le sobrevienen al obstinado Norman. Allá donde audiencia empatizaba genuinamente con Mr. Chance en una borrachera de incredulidad, curiosidad y admiración, la audiencia de Norman se aburre como una ostra. El principal motivo de que el filme no funcione no es el actor principal (quien guiado por el director consigue borrar todo rastro de psicologismo en su personaje), sino un guión que flirtea con la comedia sin abordarla y que olvida que, para que las historias resulten atractivas, sus héroes deben exhibir rasgos con los que de un modo u otro los espectadores nos podamos sentir identificados. Es posible que el empeño del director por subrayar las crecientes barreras culturales que separan a los judíos americanos (miembros de la diáspora) de los colonos de la Tierra Prometida le haya llevado a convertir a Norman en el mero arquetipo del amable y desprendido judío errante del folclore semita… y los arquetipos no transmiten emoción.

Precisamente, si acaso, el secreto del éxito de personajes tan extremos e inusitados como Forrest Gump es que todos albergamos una parcela dentro de nosotros que podemos ver retratada en ellos: en la certeza de vivir a merced del destino, de no estar a la altura de las circunstancias, de ser tomados por quienes que no somos, de ser malinterpretados –para bien o para mal-… todos nosotros, al fin y al cabo, nos podemos ver ahí, y la magia de la ficción es que nos invita a transitar por un universo extraño pero verosímil, ya sea un espacio temido, deseado o secretamente invocado por nuestro afán.

Desgraciadamente, el Norman de Joseph Cedar no logra invocar ninguna ensoñación íntima: despojado de biografía y de características propias, sin siquiera ser un fantasma o una máscara, el protagonista está totalmente vacío. Tal es el ahínco con el que el director y guionista construye a un individuo impertérrito y hueco, que no nos deja el más mínimo espacio para nuestra proyección. Así, pasados diez minutos de metraje lento e inhóspito, lo que le ocurre al judío neoyorquino nos importa, literalmente, un pito. Ni siquiera el encuentro de Norman con su doble (en el estrafalario personaje de Hank Azaria) ni la pretendida catarsis final logran borrar de la mente del espectador la certeza de que no ha invertido bien ni las dos últimas horas ni el precio de la entrada.

Llega por fin a España El nacimiento de una nación, del productor, guionista, director y actor Nate Parker. Cuando hace algo más de un año todos los miembros del público aplaudíamos de pie y sobrecogidos su glamuroso estreno en Sundance, estábamos convencidos de que aquella sería la obra que arrasaría en los Oscar de 2017. El primer largometraje de un actor de segunda ganaba el festival en un éxito tan sin precedentes que la distribuidora Fox Searchlight compró la cinta por la friolera de 17.5 millones de dólares. Era admirable, milagroso, que una película de bajo presupuesto y ajena a Hollywood lograra una manufactura tan impoluta y arrebatadora.

El nacimiento de una nación presenta el biopic de Nat Turner, un esclavo predicador extraordinariamente inteligente y culto que terminó sublevándose contra el status quo, y reclutó una milicia negra que asesinó a unos sesenta esclavistas en 1831 en Virginia.

Los enemigos de la película –que rugieron en masa a través de las redes sociales en los EE UU hasta silenciarla- llevan décadas repitiendo que no existen pruebas de que los dueños de las plantaciones cometieran actos de crueldad contra sus esclavos, por lo que obras como esta solo servirían para justificar lo injustificable: que los negros hicieran uso de la violencia en su lucha por la libertad. Es cierto que sobre episodios históricos como el de la esclavitud apenas contamos con vestigios de la barbarie blanca, pero eso no significa que no existiera. Los supremacistas, al igual que los negacionistas del Holocausto, se han aprovechado de la falta de supervivientes y de pruebas para denunciar un supuesto complot por parte de las minorías contra ellos. De esa teoría, por ejemplo, se benefició en campaña el actual presidente de los EE UU. No obstante, esa postura es intolerable porque es injusta y porque falta a la verdad: es un hecho que los blancos sometieron a las personas de raza negra y las privaron de libertad, y sabemos que la esclavitud fue un periodo oscuro de América. La historia de la mitad de la población ha sido desplazada de los libros durante siglos, y artistas como Nate Parker se esfuerzan hoy por rescatar la voz de quienes también contribuyeron al nacimiento de su nación.

Parte de la controversia que despertó el filme se debió también a su título, con el que el director ejerce un contrapeso a la obra homónima de Griffith, que en 1915 ensalzaba el surgimiento del Ku Kux Klan (por cierto, también gran apoyo del presidente Trump) y denigraba a los negros, a quienes retrataba como imbéciles y violadores. En un acto de apropiación audaz, Parker elige el mismo título y rinde un “anti-homenaje” al viejo director racista rescatando la dignidad de un personaje enterrado por la historia. Los parecidos entre las dos obras son nulos, de modo que el título simplemente constituye una gruesa ironía conceptual.

Puede que, sin esos alardes reivindicativos, Parker hubiese evitado o al menos limitado algo del acoso que sufrió cuando se inició la promoción de su película. La ulterior y masiva campaña de desprestigio contra su persona fue tan agresiva que el estreno en cines hubo de ser pospuesto. Tachada de “controvertida”, la cinta apenas logró arrastrar a gente a las salas, y a día de hoy es uno de los mayores “flops” de Fox.

La realidad innegable es que se trata de una buena película y que, si bien carece de originalidad (en ocasiones parece un calco de Braveheart ), logra su objetivo de mostrar otra cara de la historia y de conmover al espectador hasta la médula. De cinematografía exquisita, suprema dirección de actores, casting excelente, con un ritmo de montaje perfecto y una banda sonora emocionante, es una obra que la audiencia agradecerá ver en pantalla grande.

Recomiendo a todo el que quiera ver una buena película este año que vea El nacimiento de una nación. Al margen de toda la polémica que ha despertado por motivos ajenos a su calidad, es necesario que sean los espectadores quienes juzguen si merecía o no la pena. En mi opinión, sí.